С Б
20 июня 13:54.
63

Базовые правила написания песен? Лайфхаки?

Ответить
Ответить
Комментировать
4
Подписаться
1
2 ответа
Поделиться

Сам  я  множество  раз  придерживался такой  схемы (вроде работает).

1    Вступление. Не дольше 30 секунд.

2    І куплет – лёгкий, некоторые  элементы  аранжировки  ещё не вступили, но характер, темп  и  грув (Groove)  ясны.

3    І припев – плотный, почти все  элементы, запланированные для этой песни, вступили.

4    ІІ куплет – плотнее, чем первый, но легче, чем припев.

5    ІІ припев – такой же, как и первый, но элементы, запланированные для этой песни, вступили все.

6    Bridge ( Вставка ) – новый материал,  прибавленная  стоимость к песне от аранжировщика, глоток свежего воздуха  в гармонии  (цифровке)  песни. Часто – что-то новое  в аранжировке ударных. Самое  простое  по  замыслу, что  может  быть  – инструментальное  соло драйвовой  гитары,  саксофона,  синтезатора  с  интересным  тембром. Обязателен  ,,человеческий''  фактор  в  звучании.

7    ІІІ куплет – самый плотный, в словах  - подготовка  к кульминации, в музыке – играют все элементы.

8    ІІІ и І\/  (если надо)  припевы. Полные, плотные.  В словах – основная идея песни (если слова припевов разные, но  чаще  всего  во  всех  припевах  слова  одинаковые! ). Здесь происходит вдалбливание  в  голову  слушателя, запоминание  характерных  моментов, по которым песня потом узнаётся.

9     Окончание – желательно, чтобы оно  перекликалось со вступлением. Незатянутое.

Где-то  так. Схема  пригодна для 90% случаев в попсе и роке, в остальных стилях  могут  быть  большие  отклонения.  Если  вы  готовите  миди-аранжировку  для  мультитембрального  синтезатора (99% всей  производимой  на  студиях  мира  музыки!),  ещё  несколько  советов.

Слушайте,  экспериментируйте,  будьте  изобретательны,  даже  небольшие  детали  важны.  Постоянно  держите  уши,  здравый  смысл  и  художественное  чутьё  включёнными!!!  В  аранжировке  улучшайте  общее  звучание  всеми  доступными  способами,  а  для  этого  нужно  адское  терпение  в  миди-редакторе.  Даже  если  это ,, типа  не  слышно’’,    в  миди-редакторе  вашей  аранжировки  все  нотки  синтезатора  должны  отображатся  такой  длины  звучания,  какими  они  являются  на  самом  деле.  Пример. Тембр колокольчика  быстро  гаснет,  и  вы  без  вреда  для  общего  звучания  можете  держать  ноту  на  клавиатуре  нажатой  хоть  16  тактов. Но  замените  колокольчик  электроорганом,  и  эту  грязь  станет  зразу  слышно, это  раз,  и  такая  неотпущенная  вовремя  нота  потребляет  полифонические ресурсы вашего  синтезатора, это два. А  они  не  безграничны… Особенно  важно,  чтобы  звуки  баса  не  налазили  друг  на  друга. Живой  басист  никогда  в  жизни  не  допустит  даже  на  миллисекунду  одновременное  звучание  двух  нот(спец. эффекты исключаем…  ). Так  почему-же  виртуальный  играет  у вас  так  грязно? 

Расставляйте  инструменты-тембры  синтезатора  творчески  на  виртуальной  сцене  при  помощи  количества  реверберации,  дилея  и  хоруса  для  каждого  тембра  отдельно. Используйте  панораму (слева-справа…). По центру  играет  бас-бочка  и  малый  барабан  из  ударных,  бас-гитара  или  её  заменитель,  поёт  солист. Всё  остальное – по  вкусу! То  же – для  звуков  барабанов  и  перкуссии, панорама  вам  в  помощь.

Не  хочу  взрывать  рамки  ответа, на  тему  миди-редакции  материала  есть  уйма  хороших  статей. Далее  буквально  по  несколько  слов  на  совет. Непонятно – найдите  в  гугле и  вникните.

Не  перегружайте  миди-аранжировку  наяривающими  тембрами-инструментами.  Того  шума, который  может  извлечь  из  инструментов  живой  коллектив из  5-6 человек,  совершенно  достаточно.  Лучше  меньше, да  лучше (В.И.Ленин    :)   ).

Groove-quantize.

Динамическая  игра  каждого  тембра  синтезатора,  каждого  звука-тембра  барабанной  клавиатуры. В  написании  партии  ударных  исходите  из  того,  как  на  барабанной  установке  ЭТО  сыграл  бы  ЖИВОЙ  барабанщик.  ОДИН,  а  не  трое-четверо!  

Самограйки  как  источник  вдохновения,  подсказчик  правильной  игры  инструментов  в  разных  стилях - прекрасны.  Но  как  Sound  Generator,  как  правило,  крикливы,  неглубоки  и  узкоплечи.  В  пиано  проваливаются,  в  форте - хрипят.

При  первой  же  возможности  привлекайте  к  исполнению  миди-дорожек  вашей  аранжировки  звуки-тембры    студийных  синтезаторов  и  звуковых  модулей! Не  обязательно  дорогих  или  самых  модных,  а  лучше  тех,  которые  разрабатывались,  рекламировались  и  продавались  как  профессиональные.  И  если  по  содержанию  ваша  аранжировка  не  дремучее  неповторимое  фэнтези,  а  набор  более-менее  стандартных  тембров, то  от  подстановки  профессиональных  аналогов  из  студийного  оборудования  она  очень  сильно  выиграет.  Всё  зазвучит  плотнее,  жирнее,  шире,  с  правильными  спектрами,  а  в  итоге  умнее  и  импозантнее,  чем  в  вашем  оригинале.   Рояль  будет  роялистее,  а  пиццикато - пиццикатистее  :).  Ну,  вы  поняли...

Если  достаточно  поимпровизировали  с  песней,  прогрелись  до  состояния  вдохновения-креатива,  записывайте  свою  игру  на  разных  треках  как  можно  дольше  без  правки. Редактировать  будете  потом,  когда  вдохновение  уйдёт…

Главное - идеи. Если  песня  цепляет,  слушатель  может  простить  очень  многое  в  оформлении...

8
-1

Кто  отметился  минусом?  Обоснуйте,  реально  интересно,  что  вам  не  подошло...Всё  написанное - выстраданное  многими-премногими  часами  живой  практики.  Делюсь  искренне. На  Западе  студийные  профи  пишут  подобные  статьи  за  большие  кучи  евро...

0
Ответить
Прокомментировать

Скучный шаблон: Вступление, два куплета-два припева, короткое соло, припев в конце 2 раза.  Если хотите написать сногсшибательную песню, не следуйте никаким правилам

1
0

Вы это всерьёз?

0
Ответить

большинство песен в поп-музыке построены именно по такой схеме

+2
Ответить

Какой? Не следовать правилам?

0
Ответить
Прокомментировать
Ответить